PERKEMBANGAN SEJARAH SENI RUPA DI INDONESIA
1. Perkembangan Sejarah Seni Rupa Indonesia
Sejarah memberi petunjuk kepada kita tentang terjadinya rentetan peristiwa pada zaman yang telah lampau, peristiwa-peristiwa itu mungkin memberikan gambaran yang tersambung secara terus menerus, tetapi juga mungkin secara terputus-putus terhadap segala kehidupan manusia dan hasil karya seninya di dunia. Oleh karena itu dari sejarah tersebut kita juga dapat mengetahui hasil-hasil budaya di masa lalu.
Kajian sejarah seni rupa menunjuk bahwa seni rupa suatu bangsa tak dapat berkembang kalau tidak mendapat pengaruh dari luar. Perkembangannya selalu menunjukan sebagai suatu pertumbuhan dari awal kemudian tumbuh, akhirnya mencapai titik puncak atau dengan istilah seni klasik. Oleh karena itu di dunia ini tidak ada yang abadi, maka pencapaian puncak inipun akan mengalami saat terakhirnya, pada suatu saat akan mengalami kelahirannya kembali (renaisance). Jadi dapat dikatakan bahwa sejarah seni rupa adalah suatu catatan peristiwa terjadinya ciptaan seni visual dua atau tiga dimensional dari waktu ke waktu secara periodesasi.
A. SIFAT – SIFAT UMUM SENI RUPA INDONESIA
1. Tradisional/statis: adanya kebudayaan agraris mengarah pada bentuk kesenian yang berpegang pada suatu kaidah yang turun temurun. 2. Progresif: Adanya kebudayaan maritim. Kesenian Indonesia sering
dipengaruhi kebudayaan luar yang kemudian di padukan dan dikembangkan sehingga menjadi milik bangsa Indonesia sendiri.
3. Bersifat Kebinekaan: Indonesia terdiri dari beberapa daerah dengan keadaan lingkungan dan alam yang berbeda, sehingga melahirkan bentuk ungkapan seni yang beraneka ragam.
4. Bersifat Seni Kerajinan: Kekayaan alam Indonesia yang menghasilkan bermacam – macam bahan untuk membuat kerajinan.
5. Bersifat Non Realis: Latar belakang agama asli yang primitif berpengaruh pada ungkapan seni yang selalu bersifat perlambangan / simbolisme.
B. SENI RUPA PRASEJARAH INDONESIA
Zaman prasejarah (Prehistory) adalah jaman sebelum ditemukan sumber–sumber atau dokumen–dokumen tertulis mengenai kehidupan manusia. Latar belakang kebudayaannya berasal dari kebudayaan Indonesia yang disebarkan oleh bangsa Melayu Tua dan Melayu Muda. Agama asli pada waktu itu animisme dan dinamisme yang melahirkan bentuk kesenian
sebagai media upacara (bersifat simbolisme)
Dolmen
Bangunan yang paling tua diketemukan pada zaman batu menengah (Mesolitikum) berupa gua-gua yang terdapat di daerah pantai seperti di pantai-pantai Sulawesi Selatan. Peninggalan yang berupa bukit kerang diketemukan di daerah Sumatera selatan, berdasarkan bukti-bukti berupa sisa-sisa sampah maka dapat dipastikan pada zaman batu menengah sudah didirikan rumah panggung. Pada zaman Neolitikum kebudayaan masyarakatnya mulai berkembang dengan dibuatnya rumah dari kayu dan bambu yang sampai sekarang masih tersisa di beberapa daerah di wilayah Indonesia. Selain bangunan dari bahan kayu dan bambu, pada zaman batu besar dikenal pula bangunan yang terbuat dari batu untuk keperluan keagamaan dan kepercayaan, seperti :
Dolmen (bangunan makam)
Punden (bangunan berundak)
Menhir (bangunan tugu)
Dalam bentuk perabot seperti : meja batu, kursi batu, tahta batu, dsb.
Karya seni lukis yang paling tua diketemukan pada zaman batu menengah, yaitu berupa lukisan pada dinding gua seperti: lukisan binatang buruan yang terdapat di dinding gua Leang-Leang di Sulawesi Selatan. Lukisan ini dikerjakan dengan cara menoreh dinding gua dengan penggambaran binatang yang realistic dibubuhi dengan warna merah, putih, hitam dan coklat yang dibuat dari bahan pewarna alam.Sedangkan lukisan lambang nenek moyang yang berbentuk setengah binatang dan setengah manusia dan juga lukisan lukisan cap-cap tangan terdapat di dinding gua di Irian Jaya, lukisan ini dikerjakan dengan teknik semprotan warna (aerograph). Lukisan-lukisan pada zaman batu menengah tidak dibuat sebagai hiasan semata melainkan mengandung tujuan tertentu dan dianggap memiliki kekuatan magis. Lukisan yang berupa pahatan serta hiasan yang terdapat pada bagian-bagian bangunan adat dan pada benda-benda kerajinan mulai dibuat pada zaman Neolitikum dan megalitikum. Lukisan pada zaman Neolitikum bersifat ornamentik yang statis dengan motif-motif perlambangan dan geometris, sedangkan pada zaman megalitikum bersifat ornamentik yang lebih dinamis.
Gowawambea, peninggalan budaya Megalitikum
Karya seni patung Indonesia pada zaman pra-sejarah mulai dikenal pada zaman Neolitikum berupa patung-patung nenek moyang dan patung penolak bala. Gaya patungnya disesuaikan dengan bahan baku yang digunakan, yaitu batu, kayu serta bahan lainnya, selain itu patungnya juga banyak dipengaruhi seni ornamentik. Hasil-hasil peninggalan di Jawa Barat menunjukan bahwa patung-patung memiliki ukuran besar dengan gaya statis, frontal dan bersifat monumentalis. Sedangkan yang ditemukan di daerah Pasemah (Sumatera Selatan) gayanya lebih dinamis dan fiktural. Di daerah lain seperti di daerah Nias, Toraja dan Dayak pada zaman Megalitikum sampai saat ini masih ditemukan peninggalan karya patung. Contoh seni patung hasil peninggalan zaman batu, seperti Arca Batu Gajah yaitu batu besar yang dihiasi seseorang yang sedang menunggang binatang buruan, contoh lain yaitu Arca batu yang menampakan seseorang laki-laki menegendarai seekor lembu.
B. KARYA SENI RUPA PADA ZAMAN LOGAM
Nekara -Moko
Sejarah Senirupa Indonesia Zaman Prasejarah dibagi berdasarkan perkembangan kebudayaan manusia, maka pada Zaman prasejarah meliputi empat masa antara lain :
1. Masa berburu dan mengumpulkan makanan tingkat sederhana, serta
alat yang digunakan dibuat dari batu.
2. Masa berburu dan mengumpulkan makanan tingkat lanjut, serta alat
yang digunakan dibuat dari batu yang sudah dibentuk
3. Masa bercocok tanam, dan alat-alat yang digunakan sudah lebih halus dan bagus.
Kapak Corong
Perkembangan seni rupa pada zama budha
Seni rupa Buddha atau Seni Buddhis adalah seni rupa yang dipengaruhi ajaran Agama Buddha. Karya seni ini meliputi beberapa media
seperti: arca, relief, dan lukisan yang menampilkan Buddha, bodhisatwa, dan entitas lainnya; tokoh-tokoh Buddhis yang terkenal, baik tokoh sejarah atau pun tokoh mitologis; adegan kisah kehidupan para tokoh Buddhis; benda-benda yang dikaitkan dengan praktik ritual Buddha
seperti wajra, genta, dan stupa; mandala dan media pencitraan lainnya; arsitektur candi dan wihara Buddha, juga termasuk seni rupa Buddha.[1] Seni rupa Buddha berasal dari anak benua India berdasarkan sejarah kisah kehidupan dan ajaran Siddhartha Gautama, pada abad ke-6 sampai ke-5 SM, berkembang dan berevolusi karena bersentuhan dengan budaya lain, kemudian menyebar ke sebagian besar wilayah benua Asia dan dunia.[2] Seni rupa Buddha tumbuh mengikuti penyebaran penganutnya sesuai dengan perkembangan ajaran dharma. Dari India seni rupa Buddha menyebar ke utara memasuki Asia Tengah, dan kemudian berkembang ke Asia Timur membentuk cabang utara seni rupa Buddha. Seni rupa Buddha juga berkembang ke arah timur, dari India menuju Asia
Tenggara dan kemudian membentuk cabang selatan seni rupa Buddha.[2] Di luar India, seni rupa ini diterapkan, diadaptasi, dan berkembang sedemikian rupa sesuai dengan gaya negara-negara yang mengembangkannya. Di
India, seni rupa Buddha berkembang dan kemudian memengaruhi
Tahap pra-ikon (abad ke-5 hingga abad ke-1 SM)[sunting | sunting sumber]
Telapak kaki Buddha. Abad ke-1 Gandhara.
Pada periode abad ke-2 hingga ke-1 SM, seni pahat Buddhis semakin jelas menggambarkan episode kehidupan Buddha dan ajarannya. Bentuk
karyanya berupa kepingan tablet nazar pemujaan atau ukiran, biasanya terkait dengan hiasan stupa. Meskipun India memiliki tradisi seni patung yang panjang serta keahlian dalam ikonografi yang kaya, Buddha pada periode ini tidak pernah digambarkan dalam wujud manusia, melainkan hanya melalui simbolisme Buddha.
Simbol-simbol yang mewakili sosok Buddha antara lain singgasana
kosong, Buddha-pada (telapak kaki Buddha), chattra (payung), stupa, pohon Bodhi (melambangkan pencerahan Buddha), Dharma-chakra(roda hukum dharma), dan Triratna (tiga permata). Motif satwa juga digunakan sebagai perlambang episode kehidupan Buddha Gautama, seperti gajah yang
melambangkan episode kelahiran Siddharta ketika Ratu Maya bermimpi gajah putih memasuki rahimnya; kuda yang melambangkan episode
kepergian Pangeran Sidharta melarikan diri keluar dari istana demi menjadi pertapa; dan rusa yang melambangkan episode wejangan pertama Buddha di Taman Rusa Sarnath, Benares. Periode ini dapat disebut periode tanpa ikon dalam kesenian Buddha.[3]
Para seniman pada periode ini enggan menggambarkan Sang Buddha dalam wujud manusianya, dan mengembangkan simbol-simbol tanpa ikon untuk menghindari menggambarkan wujud manusia Buddha. Bahkan dalam adegan naratif yang menampilkan figur manusia tokoh lain tapi tidak
abad ke-2 SM di India Selatan, misalnya dalam aliran seni Amarawati awal. [3]
Koin emas peninggalan Kanishka, menampilkan sosok Buddha, dengan tulisan "Boddo" dalam aksara Yunani.
Ada banyak teori yang berusaha menjelaskan ketiadaan sosok Buddha dalam lima abad pertama perkembangannya. Salah satu teori menyebutkan Buddha Gautama sendiri melarang perwujudan dirinya, meskipun teori ini tidak didukung oleh literatur Buddhis. Kutipan dari Vinaya Sarvastivadin menyebutkan murid Sang Buddha, Anathapindika, bertanya kepada Sang Guru Agung, "Dunia menghormatimu, jika citra dirimu tidak boleh dibuat, bagaimanakah sebaiknya? setidaknya bolehkah kami membuat citra
Bodhisatwa[b] perwakilan dirimu?" Buddha kemudian memberikan
persetujuannya.[3] Teori yang lain menggunakan pendekatan berbeda, yaitu pendekatan filsafati sebagai latihan mental, bahwa melalui "ketiadaan" sosok Buddha, para murid Sang Buddha justru harus menyadari
"keberadaan" Buddha.[3]
Ada pula pendapat yang menyatakan bahwa perwujudan Buddha sudah ada sejak masa hidup Buddha Gautama. Akan tetapi pada masa awal ini wujud Buddha dibuat dari patung kayu, dan mungkin telah lapuk dan musnah ditelan waktu. Menurut tradisi Tibet, China, dan Jepang, patung pertama Buddha diukir dari kayu cendana,[3] dan tradisi pemujaan dengan
memberikan sesaji persembahan sekantung serbuk kayu cendana, hingga kini masih bertahan di Jepang. Meskipun demikian, tidak ada bukti
arkeologi yang mendukung pendapat ini, karena bukti arkeologi perwujudan sosok Buddha tertua ditemukan pada koin emas wangsa Kushan, dari kurun 150 sampai 50 SM.[3]
Contoh paling awal dari seni rupa Buddha di India berasal dari abad ke-1 SM. Vihara Mahabodh di Bodh Gaya, yang kemudian menjadi contoh
Tahap ikon (abad ke-1 M hingga kini)
Perwujudan Buddha dalam Seni Buddha-Yunanidari Gandhara, Abad pertama masehi.
Perwujudan manusia Buddha mulai muncul pada abad pertama masehi di India Utara. Dua pusat perkembangan kesenian Buddha adalah
diGandhara, kini terletak di Provinsi perbatasan Barat Laut di Pakistan, dan di kawasan Mathura, Uttar Pradesh, di pusat India Utara.
Seni rupa Gandhara diuntungkan karena selama berabad-abad bersentuhan dengan kebudayaan Yunani sejak penaklukan Aleksander Agungpada tahun 332 SM. Tumbuhnya kerajaan Yunani-Baktria dan kerajaan Indo-Yunani mendorong tumbuhnya Seni Buddha-Yunani. Arca-arca Buddha dari Gandhara menampilkan pengaruh artistik Yunani, dan disebutkan bahwa gagasan "manusia-dewa" sesungguhnya diilhami oleh budaya Mitologi Yunani.[5] Sebagai contoh, Herakles dengan jubah dan cawat kulit singa (dewa pelindung Demetrius I dari Baktria) "dijadikan sebagai model penggambaran bodhisatwa Wajrapani, pengawal Buddha."[6][c]
Secara artistik, disiplin aliran seni patung Gandhara telah menyumbangkan beberapa karakteristik pada perwujudan Buddha, seperti rambut ikal
bergelombang, pakaian berjubah, sepatu dan sandal, serta hiasan sulur bunga pada kesenian Buddha. Selain penggambaran wujud Buddha, seni rupa Buddha juga diperkaya penggambaran tokoh-tokoh lain,
seperti Bodhisatwa, Tara, serta makhluk-makhluk mitologis seperti yaksa, kinnaradan
kinnari, gandarwa, apsara, widyadhara, asura, dwarapala, kala, makara, serta pohon Kalpawreksa.[7]
meskipun secara gaya masih terlihat kaku dibandingkan perwujudan
Buddha kemudian. Seni aliran Mathura menyumbangan pengaruhnya pada seni rupa Buddha, seperti jubah yang menutup bahu kiri dan terbuka pada bahu kanan dari bahan muslin tipis, cakra pada telapak tangan, singgasana teratai, dan lain-lain.
Seni Mathura dan Gandhara juga saling memengaruhi. Pada masa
keemasan kesenian Buddha pada periode ini, kedua pusat seni Buddha ini disatukan dalam Kekaisaran Kushan, dan kedua kota ini menjadi pusat kemaharajaan. Hingga kini masih diperdebatkan apakah perwujudan
manusia Buddha itu lahir dari evolusi lokal pada seni Buddha Mathura, atau merupakan hasil interaksi budaya sebagai akibat pengaruh seni rupa Yunani di Gandhara melalui sinkretisme budaya Yunani-Buddhis.[5]
Lukisan
dinding Padmapani dan Wajrapa ni di kedua sisi Gua 1 di Gua Ajanta
Seni ikonik ini memiliki ciri idelisme realis, menggabungkan sosok manusia yang realistik, proporsional, sikap dan atribut, digambarkan dengan rasa ketenangan dan keteduhan yang sempurna mencapai kualitas keilahian. Ekspresi sosok Buddha sebagai manusia dan sosok ilahiah menjadi pakem ikonografi bagi seni rupa Buddha kemudian.
Hal yang menarik untuk dicatat, ajaran Buddha banyak memanfaatkan seni plastis seperti seni pahat, seni patung, lukisan, dan literatur, tetapi amat jarang memanfaat seni musik dan tari.
dari Wangsa Wakataka. Seni Buddha di India yang berasal dari periode ini seolah menjadi purwarupa bagi karya seni Buddha di wilayah lain, menjadi contoh dan diteladani. Patung batu pasir berwarna merah muda dari
Mathura yang berkembang pada masa Kekaisaran Gupta kurun abad ke-4 sampai ke-6 M telah mencapai tingkat kehalusan dan keindahan yang
sedemikian rupa dalam penyelesaian dan modelnya. Seni rupa aliran Gupta menjadi sedemikian berpengaruhnya hingga menyebar ke wilayah Asia lainnya. Pada abad ke-10, seni Buddha mulai memudar di India, sedangkan Hindu dan Islam terus berkembang di India.[2]
Pada akhir abad ke-12 sisa-sisa kejayaan Buddha hanya bertahan di wilayah pegunungan Himalaya di India utara. Kawasan ini karena lokasinya lebih banyak bersentuhan dengan Tibet dan Cina, sebagai contoh seni dan tradisi Ladakh menunjukkan ciri pengaruh Tibet dan Cina.
Peta penyebaran ajaran Buddha
Seiring dengan penyebaran ajaran Buddha keluar dari India pada abad pertama masehi, kemasan artistik aslinya berpadu dengan pengaruh artistik lainnya, menghasilkan keanekaragaman progresif di antara negara-negara yang menganut ajaran Buddha. Penyebaran ajaran sekaligus seni rupa Buddha mengambil dua arah percabangan; jalur utara dan jalur selatan.
Jalur Utara bermula sejak abad pertama masehi, melalui jalur Asia Tengah, Nepal, Tibet, Bhutan, Cina, Korea, Jepang danVietnam. Aliran yang berkembang adalah aliran Buddha Mahayana.
Jalur Selatan, yang didominasi aliran Buddha Theravada, melalui Sri Lanka, Myanmar, Thailand, Kamboja, dan Laos. Sementara
Seni rupa Buddha Utara[sunting | sunting sumber]
Arca Bodhisatwa Cina dari kayu, dari periode Dinasti Song (960-1279) Penyebaran ajaran Buddha melalui Jalur Sutra ke Asia Tengah, Cina, dan akhirnya mencapai Korea dan Jepang, dimulai pada abad pertama masehi, [2] dengan catatan semi-legendaris bahwa Kaisar Ming dari Dinasti Han Cina mengirim utusan ke barat untuk memperoleh kitab suci Buddha dan
membawa ajaran Buddha ke Tiongkok. Akan tetapi sepertinya penyebaran Buddha ke Tiongkok ini merupakan konsekuensi logis dari
perkembangan Kekaisaran Kushan ke wilayah Cina diCekungan Tarim pada abad ke-2, diikuti dengan upaya misi penyebaran ajaran Buddha dari Asia Tengah ke negeri Cina. Beberapa penyebar ajaran Buddha ini
menerjemahkan kitab-kitab suci Buddha ke dalam Bahasa Tionghoa, seperti Biksu Lokaksema, yang mungkin berasal
dari Parthia, Kushan, Sogdiana atau Kuchea.
Misi penyebaran ajaran Buddha di sepanjang Jalur Sutra diiringi dengan menyebarnya pengaruh seni rupa, seperti terlihat dalam perkembangan seni rupa Serindia dari abad ke-2 hingga ke-11 masehi di Basin Tarim (kini wilayah Xinjiang). Seni rupa Serindia seringkali berasal dari seni Yunani-Buddha Gandhara (kini Pakistan), memadukan seni India dengan pengaruh Yunani-Romawi. Pengaruh seni Yunani-Buddha ini dapat ditemukan hingga ke Jepang, melalui motif arsitektur, citra Buddha, dan
perwujudan kami (dewata Jepang).
pencerahan, dan kebebasan dari kehidupan makhluk fana. Seni rupa
Buddha utara cenderung dicirikan dengan panteon yang kaya dan sinkretis, dengan banyak wujud menggambarkan Buddha, Bodhisatwa, dewata, dan makhluk-makluk surgawi.
Relief rendah di Borobudur.
Arca Buddha di Borobudur.
Seperti kebanyakan wilayah Asia Tenggara, Indonesia dipengaruhi seni budaya India sejak abad pertama Masehi. Bangunan Buddha tertua di Indonesia mungkin adalah stupa bata di Batujaya di Kabupaten Karawang, Jawa Barat, diperkirakan berasal dari abad ke-4 M. Candi ini dibangun dari bahan bata merah yang dilapis lepa atau plaster.
Pulau Sumatera dan Jawa adalah wilayah kemaharajaan Sriwijaya (abad ke-8 sampai ke-13 M), yang kemudian tumbuh menjadi kekuatan bahari yang mendominasi kepulauan dan semenanjung Asia Tenggara. Sriwijaya
menganut agama Buddha aliran Mahayana dan Wajrayana, di bawah
perlindungan wangsa Sailendra. Sriwijaya menyebarkan kesenian Buddha ke semenanjung Asia Tenggara. Beberapa contoh arca Buddha Mahayana berupa arca bodhisatwa dari periode ini ditemukan di kawasan Asia
Arca Awalokiteshwara perunggu berlapis emas gaya Malayu-Sriwijaya, ditemukan di Jambi, Sumatera.
Karya arsitektur yang halus dan kaya dapat ditemukan di Jawa dan Sumatera. Contoh yang paling luar biasa adalah Borobudur, bangunan Buddha terbesar di dunia, dibangun pada kurun 780-825 M,[49][50] sekaligus
salah satu monumen Buddha terbesar di dunia.[51] Candi ini dibangun berdasarkan bentuk stupa dan mandala, sebagai model perwujudan alam semesta dalam ajaran Buddha, sekaligus perwujudan tingkatan ranahdhatu, dari alam manusia yang masih terikat hawa nafsu menuju pencerahan dan terbebas dari belenggu hasrat duniawi dan keterbatasan fisik.[47] Candi ini memiliki 505 arca Buddha, stupa unik berwujud seperti lonceng
berterawang yang didalamnya terdapat arca Buddha. Borobudur dihiasi serangkaian relief rendah yang menggambarkan kisah-kisah dari kitab suci Buddha. Seni rupa Buddha di Indonesia mencapai puncaknya pada masa wangsa Sailendra di Jawa Tengah. Arca-arca Bodhisatwa, Tara,
dan Kinnara yang ditemukan di Candi Kalasan, Sewu, Sari,
danPlaosan adalah contoh keanggunan dan keteduhan ekspresi seni rupa. Sementara di dalam Candi Mendut terdapat arca
Buddha Wairocana,Awalokiteswara, dan Wajrapani berukuran besar. Arca-arca seni rupa Buddha Indonesia dari periode Jawa kuno dan Sriwijaya memiliki ciri; wujudnya yang realis-naturalis, perhatian terhadap ekpresi, proporsi tubuh, dan keluwesan sikap tubuh, kehalusan pengerjaan, selera estetika yang unggul, serta kecanggihan teknik pembuatannya.
Contoh mahakarya seni rupa Buddha dari periode klasik Jawa adalah arca Prajnaparamita (koleksi Museum Nasional Indonesia Jakarta), arca dewi kebijaksanaan transendental dari periode Kerajaan Singhasari. [52] Di Jawa Timur, Kerajaan Singhasari pada abad ke-13 mewariskan
beberapa candi Buddha seperti Candi Jawi dan Candi Jago yang merupakan perpaduan Siwa-Buddha dan stupa Sumberawan.[53] Kemudian
berkembanglah kerajaan Majapahit sebagai penerus Singhasari. Kerajaan ini melindungi agama Hindu dan Buddha, agama resmi negara, juga
melindungi keberadaan aliran sinkretis Siwa-Buddha. Contoh candi Buddha zaman Majapahit adalah Candi Brahu dan Candi Jabung. Kemudian,
perlahan-lahan jumlah penganut Hindu dan Buddha kian merosot, seiring berkembangnya ajaran Islam di Nusantara sejak abad ke-13 M dan
mencapai akhirnya dengan keruntuhan Majapahit di akhir abad ke-15 M.
Perkembangan seni rupa hindu di Indonesia
Seni rupa Hindu Indonesia awal mulanya datang dari India lewat agama, politik, dan perdagangan yang tersebar di wilayah Indonesia. Wilayah yang menjadi pusat perkembangan seni rupa ini yaitu seperti Bali, Jawa, dan Sumatera yang kemudian lambat-laun bercampur dengan kebudayaan daerah Indonesia. Akulturasi yang terjadi ini berlangsung dalam kurun waktu yang bertahap melalui proses imitasi (peniruan), adaptasi (penyesuaian), dan kreasi (penguasaan). Hasil kreasi yang membentuk seni yang indah ini menjadikan seni rupa Hindu cukup berpengaruh di Indonesia dan menjadi sejarah yang berharga. Ciri-ciri Seni Rupa Hindu Indonesia
menjadi media pada upacara adat yang dilakukan. Selain itu, sifatnya juga lebih konvensional, dimana kesenian ini merupakan hasil akultrasi antara kebudayaan India dan Indonesia sehingga membentuk seni rupa Hindu Indonesia yang terpadu. Karya seni dari perpaduan ini bisa diamati dari terbentuknya bangunan candi, pura, dan puri. Banyak candi-candi di Indonesia yang mengisyaratkan lahirnya seni rupa yang terakulturasi, misalnya saja seperti Candi Borobudur, Candi Sari, dan lain-lain. Setiap candi biasanya memberi fungsi masing-masing. Ada yang didirikan untuk tempat raja bertapa, sebagai gapura atau pintu gerbang, tempat bersemedi, dan berbagai fungsi lainnya yang disesuaikan dengan kebudayaan Hindu di Indonesia.
Candi yang dibangun biasanya memiliki struktur yang khas, seperti atap yang berbentuk limas dan bermahkota stupa, terdapat banyak patung dan arca di sekitar tubuh candi, serta kaki candi yang biasanya berbentuk bujur sangkar. Tak jauh berbeda dengan bangunan pura ataupun puri, masing-masingnya juga memiliki keunikan tersendiri. Pura yang biasa banyak kita temui yaitu dibangun di Bali. Tempat pembangunan pura ada yang didirikan di tepi pantai, di daerah persawahan, di lereng gunung, dan di komplek istana. Jika pura lebih banyak mengambil peran sebagai pusat spritualitas, puri lebih berperan sebagai pusat dari pemerintahan, sekaligus juga
sebagai pusat keagamaan. Itulah beberapa bangunan yang menunjukkan karya dari seni rupa Hindu Indonesia
Perkembangan seni rupa Islam
Seni rupa Islam adalah seni rupa yang berkembang pada masa lahir hingga akhir masa keemasan Islam. Rentang ini bisa
didefinisikanmeliputi Jazirah Arab, Afrika Utara, Timur Tengah, dan Eropa sejak mulai munculnya Islam pada 571 M hingga mulai mundurnya kekuasaanTurki Ottoman. Walaupun sebenarnya Islam dan keseniannya tersebar jauh lebih luas daripada itu dan tetap bertahan hingga sekarang.
Seni rupa Islam adalah suatu bahasan yang khas dengan prinsip seni rupa yang memiliki kekhususan jika dibandingkan dengan seni rupa yang dikenal pada masa ini. Tetapi perannya sendiri cukup besar di dalam perkembangan seni rupa modern. Antara lain dalam pemunculan
unsur kontemporer seperti abstraksi dan filsafat keindahan. Seni rupa Islam juga memunculkan inspirasi pengolahan kaligrafi menjadi motif hias.
Peninggalan seni rupa Islam banyak
berbentuk masjid, istana, ilustrasi buku, dan permadani.
Gambaran keseluruhan
Seni Islam bukanlah seni yang berfokus pada agama saja tetapi juga merangkumi kebudayaan Islam yang kaya dan berbagai macam. Ia
seringnya menggunakan unsur sekularserta juga unsur yang tidak disukai oleh ahli teologi Islam, walau jika tidak diharamkan.[1]
Seni Islam berkembang daripada banyak sumber, dengan gaya-gaya seni Roma, seni Kristen awal, dan seni Romawi Timur diserap ke dalam seni dan seni bina Islam yang awal, khususnya seni Sassanid Persia pra-Islam.
Gaya Asia Tengah juga diserap menerusi serangan mendadak oleh
berbagai pengembara. Seni Cina juga merupakan salah satu pengaruh yang penting dalam lukisan, tembikar, dan tekstil Islam."[2]
Lukisan Islam mengandungi unsur-unsur berulang, misalnya penggunaan reka bentuk geometri berbunga-bunga atau bersayur-sayuran dalam gaya ulangan yang dikenali sebagai arabes. Arabes dalam lukisan Islam sering dipergunakan untuk melambangkan sifat Allah yang unggul, tidak
terbahagi, dan tidak terbatas.[3] Kesilapan pengulangan dalam lukisan Islam mungkin disengajakan sebagai penampilan rendah hati oleh pelukisnya yang mempercayai bahawa hanya Allah dapat menghasilkan kesempurnaan. Walau bagaimanapun, teori ini telah dipertikaikan.[4][5][6]
Kebanyakan penganut Islam Sunni dan penganut Islam Syiah mempercayai bahawa penggambaran makhluk umumya adalah haram. Bagaimanapun, lukisan yang berkenaanmanusia boleh didapati pada seluruh zaman seni Islam. Perlambangan manusia bagi tujuan penyembahan
berhala diharamkan oleh hukum Islam yang dikenali sebagai Syariat.
Ciri dan periodisasi
Masjid Al-Aqsa, simbol kekayaan seni rupa Islam
Seni rupa Islam tidak berdiri sendiri seperti Seni rupa Buddha ataupun Barat. Ia merupakan gabungan dari kesenian daerah-daerah taklukan akibat adanya ekspansi oleh kerajaan bercorak Islam di sekitar Timur Tengah, Afrika Utara, Asia Kecil, dan Eropa dan penakulukan oleh bangsa Mongol. Daerah ini didefinisikan sebagai Persia, Mesir, Moor,
Spanyol, Bizantium, India, Mongolia, dan Seljuk. Selain itu ditemukan pula pengaruh akibat hubungan dagang, seperti Tiongkok. Ini disebabkan
miskinnya seni rupa asli Arab pada saat itu walaupun dalam bidang sastra dan musik sebenarnya memperlihatkan hal yang menakjubkan.
Keberagaman pengaruh inilah yang membuat seni rupa Islam sangat kaya. Hal ini terutama bisa dilihat dari arsitektur Islam yang memperlihatkan gabungan corak dari berbagai daerah.
Seni rupa asli Jazirah Arab]
Seni rupa asli Jazirah Arab bisa terlihat dari arsitektur di sekitar wilayah Makkah dan Madinah. Kedua kota ini merupakan pusat pemerintahan pada masa Nabi Muhammad.
Biasanya arsitektur asli Jazirah Arab berupa bentuk bangunan segi empat sederhana yang difungsikan sebagai tempat ibadah. Bagian tengah
merupakan lapangan terbuka dengan dikelilingi pilar, dinding, dan kamar-kamar. Lapangan berfungsi sebagai tempat salat berjamaah dan di bagian depan kiblat terdapat mimbar untuk khatib yang memberikan ceramah keagamaan.
Contoh bangunan yang masih memperlihatkan ciri arsitektur ini adalah Masjid Nabawi.
Masjid Umayyah, Syria
Seni rupa pada zaman Umayyah banyak dipengaruhi oleh
kesenian Bizantium, sebagai akibat dipindahkannya pusat pemerintahan Islam dari Makkah ke Syria. Seni rupa ini banyak memperlihatkan ciri seni rupa kristen awal, yaitu bentuk-bentuk basilika dan menara. Seperti bisa dilihat di Masjid Umayyah yang awalnya adalah Gereja
Johannes di Damaskus. Interior masjid ini digarap seniman-seniman Yunani dari Konstantinopel.
Pada masa ini ragam hias mosaik dan stucco yang dipengaruhi oleh pengulangan geometris sebagai tanda berkembang pesatnya ilmu
pengetahuan. Selain itu ciri khas lapangan di tengah masjid mulai diganti oleh ruangan besar yang ditutup kubah.
Pada masa ini pula dikenal kalifah yang sangat memperhatikan kelestarian masjid-masjid, yaitu Kalifah Abdul Malik dan Kalifah Al-walid. Kalifah Abdul Malik membangun Kubah Batu Karang (dikenal pula dengan nama
Masjid Quber esh Sakhra dan Masjid Umar) sebagai pengingat tempat dinaikkannya Nabi Muhammad ke langit pada peristiwa Isra-Miraj. Selain itu dibangun pula Masjid Al Aqsa.
Dinasti Umayyah juga meninggalkan banyak istana yang memiliki ciri tersendiri, yaitu bangunan di tengah-tengah gurun pasir yang terasing, walaupun kini banyak yang telah rusak. Contohnya adalah Istana Kusair Amra.
Seni rupa Abbasyiah
Perkembangan seni rupa periode ini dimulai sejak tahun 747 M sebagai akibat keruntuhan Dinasti Umayyah akibat revolusi oleh Keluarga
Abbasiyah bersama kelompok Syiah. Seni rupa ini terkonsentrasi di pusat pemerintahan baru di daerah Baghdad dan kemudian pindah ke Sammara, Persia (sekarang wilayah Iran dan Irak). Walaupun
Seni rupa pada zaman ini maju akibat lancarnya perdagangan dengan bangsa Syria, Tiongkok, India, dan bahkan Nusantara. Selain itu dimulai banyak penerjemahan tulisan-tulisan kuno Yunani, sehingga seni ilustrasi berkembang.
Peninggalan penting dari masa ini adalah Masjid Mutawakkil, Masjid Abu Delif, dan bekas istana kalifah. Masjid pada zaman ini berciri mirip
bangunan kuno mesopotamia, yaitu menara yang semakin mengecil di bagian ujungnya dan motif hias abjad Kufa, yaitu motif hias dari kaligrafi berbentuk tajam dan kaku. Selain itu ditemukan bentuk tiang melengkung. Pindahnya kekuasaan dari keluarga Abbasyiah ke Fatimiyah dan
dipindahkannya ibukota ke Mesir membuat pengaruh seni Afrika Utara menjadi kuat.
Seni rupa Turki
Pengaruh Turki didapat dari penaklukan Iran oleh bangsa Turki pada abad ke-11 M. Di bawah kekuasaan ini Romawi Timur, Iran, Mesopotamia,
dan Asia Kecil bersatu di bawah kerajaan bercorak Islam.
Pada masa ini seni rupa yang berkembang adalah dekorasi dan tekstil. Antara lain ditemukan teknik hias batu bata. Selain itu ditemukan kaligrafi dengan abjad nashi dan juga banyak pengaruh keramik-keramik Tiongkok dari dinasti Sung.
Seni rupa Kordoba
Dimulai pada tahun 750, Seni rupa Kordoba meliputi daerah Spanyol dan Moor. Contoh peninggalannya adalah Masjid Kordoba. Ia merupakan gabungan kesenian Yunani klasik dan kesenian lokal yang tidak
terorganisasi dengan baik menjadi satu kesatuan. Ciri utamanya adalah pelengkung tapal kuda.
Ciri khas seni rupa dari Moor adalah pemakaian motif yang diinspirasi oleh pengulangan ilmu ukur.
Tatakan lilin dari Iran berbentukhewan, kini di Museum Louvre
Ada banyak sekali pendapat mengenai seni rupa di dalam Islam. Pandangan kaum konservatif yang populer pada awal kemunculan Islam beranggapan bahwa segala bentuk peniruan adalah usaha menyaingi kesempurnaan Tuhan dan wujud keinginan menciptakan Tuhanbaru. Tetapi banyak pula yang menyatakan bahwa bagaimanapun hasil penciptaan manusia tetap tidak akan bisa menyamai apa yang telah diciptakan Tuhan ataupun Tuhan itu sendiri,
sehingga seni rupa tidak bisa dianggap penjiplakan saja, tetapi diiringi pula denganstilasi yang memperlihatkan keagungan Pencipta. Sementara
pendapat lain terbentuk atas pengaruh kebudayaan Eropa, yang
menganggap proses seni rupa adalah hal normal, ia sama sekali tidak bisa dianggap sebagai usaha menciptakan makhluk baru ataupun Tuhan baru, sehingga sama sekali tidak perlu dilarang.
Bagaimanapun sangat sulit menemukan peninggalan seni patung dari seni rupa Islam, karena sejarahnya yang berhubungan langsung dengan
tindakan berhala. Tetapi tidak sulit menemukan bentuk-bentuk makhluk hidup dalam bentuk perabotan. Juga dengan mudah bisa ditemukan lukisan-lukisan di dinding istana dan gambar ilustrasi untuk buku-buku terjemahan ilmu pengetahuan walaupun hanya sebagai tiruan dari ilustrasi buku
aslinya.
Proses berkembangnya Agama Islam di Indonesia meninggalkan telah mempengaruhi corak dan kebudayaan Indonesia asli. Percampuran unsur-unsur budaya antara budaya Islam dan budaya asli Indonesia melahirkan akulturasi kebudayaan. Perwujudan akukturasi kebudayaan itu dalam bentuk seni bangunan dan arsitektur, seperti mesjid, keraton, nisan makam, seni tulis indah atau kaligrafi, dan seni sastra.
a. Mesjid
yang paling menonjol ada pada bangunan mesjid. Bagi pemeluk Agama Islam, mesjid merupakan tempat suci bagi umat Islam untuk melakukan peribadatan. Mesjid yang ada di Indonesia memiliki ciri-ciriarsitektur yang berbeda dengan mesjid-mesjid di negara lain.
Mesjid-mesjid kuno yang ada di Indonesia mempunyai ciri khas perpaduan budaya Islam dan tradisional.Ciri khasnya adalah pada atapnya yangbertingkat lebih dari satu (atap tumpang), biasanya sampai tiga tingkat. Atap tumpang ini menurut ahli sejarah merupakan perpaduan unsur budaya tradisional, budaya Hindu dan budaya Islam. Bangunannya berbentuk bujur sangkar, ada serambi di bagian samping dan belakang. Memiliki fondasi yang kokoh, terdapat mihrab atau tempat khotbah imam/tempat berdakwah dalam masjid. Terdapat kolam air untuk menyucikan tubuh (wudhu) sebelum melakukan ibadah.
b. Keraton
Bangunan pusat kerajaan atau kesultanan, tempat raja menetap. Pada masa Islam di Indonesia, keraton berperan penting baik sebagai pusat kekuasaan politik, juga berfungsi sebagai pusat penyebaran Agama Islam. Keraton atau istana yang dibangun pada masa Islam berorak khas perpaduan unsurunsur arsitektur tradisional, budaya Hindu-Buddha dan budaya Islam.
Pada atapnya yang tumpang dan pintu masuk keraton yang berbentuk gapura. Letak keraton biasanya dihubungkan dengankepercayaan masyarakat, selalu menghadap ke arah utara, di sebelah barat ada mesjid, dan sebelah timur ada pasar, sebelah selatan alun-alun. Tata ruang seperti merupakan tradisi masyarakat pra sejarah Indonesia yang disebut macapat. Di lapangan luas keraton terdapat pohon beringin besar.
c. Makam
selalu diusahakan untuk menjadi perumahan yang sesuai dengan orang yang dikuburnya. Makam para sultan atau raja dan tokoh Agama dibangun seperti layaknya sebuah istana. Pada umumnya makam di kerajaan dibangun di lereng sebuah bukit, seperti komplek pemakam rajaraja keturunan Mataram di Imogiri Yogyakarta
Dalam kepercayaan masyarakat pra sejarah Indonesia. Komplek pemakaman ditempatkan di atas bukit atau lereng. Pada komplek makam raja di Imogiri Yogyakarta berada di atas sebuah bukit. Makam tertua di Indonesia adalah makam Fatimah binti Maimun yang lebih dikenal dengan putri Suwari di Leran Gresik bertahun 1082. Makam ini mirip candi. Makam lainnya, seperti Makam Syeikh Maulana Malik Ibrahim
d. Kaligraf
Kaligrafi adalah seni tulisan indah dengan mengunakan bahasa Arab. Kaligrafi mulai berkembang pada abad ke-16, seni tulis indah dalam bahasa Arab dipahatkan pada sebuah batu atau kayu. Kalimat yang diambil biasanya dari ayat-ayat suci Al-Qur'an dan Hadits. Motif kaligrafi biasanya berbentuk tumbuh-tumbuhan, bunga-bungaan, pemandangan alam atau hanya garis-garis geometris saja. Seni kaligrafi Islam ini turut mewarnai perkembangan seni rupa di Indonesia. Biasa seni kaligrafi dipakai untuk hiasan pada bangunan masjid, motif batik, hiasan keramik, hiasan pada keris, hiasan pada batu nisan, dan pada dinding rumah.
e. Tradisi dan Upacara
dan upacara masyarakat setempat. Misalnya, tradisi terhadap seseorang yang sudah meninggal diadakan selamatan hari ke -1 sampai ke- 7, ke-40, ke-100 dan ke-1000. Demikian juga tradisi nyekar (ziarah ke makam dengan menaburkan bunga dan air ke makam).
Upacara-upacara keagamaan yang sampai saat ini senantiasa diselenggarakan seperti peringatan hari-hari besar Islam, misalnya Maulud Nabi, Idul Fitri, Idul Adha, dan 1 Muharram. Upacara adat tradisional Grebek Maulud di daerah-daerah tertentu disertai dengan pencucian keris dan diramaikan dengan seni pertunjukan lainnya. Upacara yang berkaitan dengan siklus kehidupan, seperti kelahiran, perkawinan, dan kematian merupakan rutinitas kegiatan masyarakat Islam. Mereka memadukan dengan adat istiadat setempat.
Tahapan perkembangan seni rupa Indonesia modern
1. Masa Perintisan yaitu sekitar tahun 1817 sampai tahun 1880
Pada masa perintisan ini tokoh yang paling dikenal adalah Raden Saleh, dengan nama lengkap Raden Saleh Syarif Bustaman Lahir di Terbaya, pada tahun 1814 -1880, putra keluarga bangsawan pribumi yang mampu melukis gaya atau cara barat, baik dari segi alat, media maupun teknik, dengan penggambaran yang natural dan
Ciri-ciri karya lukisan pada masa ini dengan Raden Saleh sebagai pelopornya adalah :
Bergaya natural dan romantisme
Kuat dalam melukis potret dan binatang
Pengaruh romantisme Eropa terutama dari Delacroix.
Pengamatan yang sangat baik pada alam maupun binatang Beberapa judul Karya Raden Saleh:
Hutan terbakar
Perkelahian antara hidup dan mati
Pangeran Diponegoro
Berburu Banteng di Jawa
Potret para Bangsawan
Deanles Karya Raden Saleh
Badai/TheStorm 1851 - Raden Saleh
2. Masa Indonesia Jelita
Selanjutnya muncul pelukis-pelukis muda yang memiliki konsep berbeda dengan masa perintisan, yaitu melukis keindahan dan keelokan alam Indonesia.Keadaan ini ditandai pula dengan datangnya para pelukis luar/barat atau sebagian ada yang menetap dan melukis keindahan alam Masa ini dinamakan Indonesia Jelita karena pada masa ini Karya-karya yang dihasilkan para Seniman Lukis lebih banyak menggambarkan tentang
keindahan alam, serta lebih banyak menonjolkan nada erotis dalam melukiskan manusia.
Tokoh Pelukis pada Masa Indonesia Jelita ini adalah :
Abdullah Suriosubroto (1878-1941)
Mas Pirngadi (1875-1936)
Wakidi
Basuki Abdullah
Henk Ngantung, Lee Man Fong (dll)
Ciri-ciri lukisan yang dihasilkan yaitu:
Pengambilan obyek alam yang indah
Tidak mencerminkan nilai-nilai jiwa merdeka
Kemahiran teknik melukis tidak dibarengi dengan penonjolan nilai spirituil
Menonjolkan nada erotis dalam melukiskan manusia
Contoh karya pada masa ini adalah :
The Day’s end Mount
Mountain Landscape karya Wakidi
Cat minyak diatas kanvas, 139.5 x 197 cm
Balinese legend,W. Spies
Village life in Sanur
Full moon ceremony(1994)
oil on canvas by Arie Smith
3. MASA CITA NASIONAL
Masa Cita Nasional yaitu Bangkitnya kesadaran nasional yang dipelopori oleh Boedi Oetomo pada Tahun 1908. Seniman S. Sudjojono, Surono, Abd. Salam, Agus Djajasumita mendirikan PERSAGI (Persatuan Ahli Gambar Indonesia). Perkumpulan pertama di Jakarta, berupaya mengimbangi lembaga kesenian asing Kunstring yang mampu menghimpun lukisan-lukisan bercorak modern. PERSAGI berupaya mencari dan menggali nilai-nilai yang mencerminkan kepribadian Indonesia yang sebenarnya
Hasil karya mereka mencerminkan :
Mementingkan nilai-nilai psikologis;
Tema perjuangan rakyat ;
Tidak terikat kepada obyek alam yang nyata;
Memiliki kepribadian Indonesia ;
Karya-karya seni lukis masa PERSAGI antara lain :
Agus Djajasumita : Barata Yudha, Arjuna Wiwaha, Nirwana, Dalam Taman Nirwana
S. Sudjojono: Djongkatan, Didepan Kelambu Terbuka, Mainan, Cap Go meh.
Otto Djaya: Penggodaan, Wanita Impian
- Di Depan Kelambu Terbuka,1939, Sudjojono, 86 x 66 cm
- Laki-laki Bali dan Ayam Jago, 1958, Agus Djaja S.,
Kawan - kawan Revolusi,
1947 karya S. Sudjojono, cat minyak di atas kanvas, 95 x 149 cm
Penjual Jamu, karya Otto Djaya Suminta
4. Masa Pendudukan Jepang
Masa Pendudukan Jepang
Cita PERSAGI masih melekat pada para pelukis, serta menyadari pentingnya seni lukis untuk kepentingan revolusi.
Pemerintah Jepang mendirikan KEIMIN BUNKA SHIDOSO,Lembaga Kesenian Indonesia –Jepang ini pada dasarnya lebih mengarah pada kegiatan propaganda Jepang.
Tahun 1943 berdiri PUTERA (Pusat Tenaga Rakyat) oleh Bung Karno, Bung Hatta, Ki Hajar Dewantara dan KH Mansur. Tujuannya
Tokoh utama pada masa ini antara lain:
S. Sudjojono
Basuki Abdullah, Emiria Surnasa
Agus Djajasumita, Barli
Affandi, Hendra dan lain-lain
Mengungsi, 1947, karya S. Sudjojono,
Keluarga Pemusik , 1971, karya Hendra Gunawan,
cat minyak diatas kanvas, 150 x 90 cm
Pengemis karya Affandi,
5.Periode pasca-kemerdekaan
Setelah Indonesia merdeka bermunculanlah kelompok-kelompok seniman lukis Indonesia, diantaranya:
( kuda putih karya Affandi )
Sanggar Masyarakat (1946) dipimpin Affandi, kemudian diganti nama menjadi SIM (Seniman Indonesia Muda) yang dipimpin oleh S.
Sudjojono;
Pelukis Rakyat (1947), Affandi dan Hendra Gunawan keluar dari SIM dan mendirikan Pelukis Rakyat dipimpin oleh Affandi;
Perkumpulan Prabangkara (1948);
ASRI (Akademi Senirupa (1948), tokoh-tokoh pendirinya RJ. Katamsi, S.Sudjojono,Hendra Gunawan, Jayengasmoro, Kusnadi dan
Sindusisworo;
Tahun 1950 di Bandung berdiri Balai Perguruan Tinggi Guru Gambar yang dipelopori oleh Prof. Syafei Sumarya, Mochtar Apin, Ahmad Sadali, Sujoko, Edi Karta Subarna;
Tahun 1958, berdiri Yayasan seni dan desain Indonesia oleh Gaos Harjasumantri.
Tahun 1959, berdiri Organisasi Seniman Indonesia oleh Nashar. 6.Periode akademi (1950)
( Lukisan karya Barli Sasmita )
Pengembangan senirupa melalui pendidikan formal. Lembaga pendidikan yang bernama ASRI yang berdiri tahun 1948 kemudiaan secara formal tahun 1950 lembaga tersebut mulai membuat rumusan-rumusan untuk mencetak seniman-seniman dan calon guru gambar. Pada
tahun 1959 di Bandung dibuka jurusan Senirupa Institut Teknologi
7.Periode senirupa baru[
( Lukisan karya Dede Eri Supria )
Pada sekitar tahun 1974 muncul kelompok baru dalam seni lukis. Kelompok ini menampilkan corak baru dalam seni lukis Indonesia yang membebaskan diri dari batasan-batasan senirupa yang telah ada. Seniman muda yang mempelopori kelompok ini adalah Jim Supangkat, S. Prinka, Dee Eri Supria. Konsep kelompok ini adalah:
Tidak membedakan disiplin seni;
Menghilangkan sikap seseorang dalam mengkhususkan penciptaan seni;
Mendambakan kreatifitas baru;
1. 1. MOOI INDIE
Pada mulanya istilah Mooi Indie pernah dipakai untuk memberi judul reproduksi sebelas lukisan pemandangan cat air Du Chattel yang diterbitkan dalam bentuk portfolio di Amsterdam tahun 1930. Namun demikian istilah itu menjadi popular di Hindia Belanda semenjak S. Sudjojono memakainya untuk mengejek pelukis-pelukis pemandangan dalam tulisannya pada tahun 1939. Dia mengatakan bahwa lukisan-lukisan pemandangan yang serba bagus, serba enak, romantis bagai di surga,
tenang dan damai, tidak lain hanya mengandung satu arti: Mooi Indie
(Hindia Belanda yang Indah).
Berawal dari para pelukis yang karena kelahiran dan tempat tinggalnya di Indonesia (Hindia Belanda) menjadi para pelukis Indo Belanda atau biasa
disebut Indische Schilderer, serta ditambah para pelukis asing yang datang
dari berbagai negara Eropa. Sehingga ada proses asimilasi dan alkulturasi yang kental yang mempengaruhi corak mooi indie.
Lukisan-Iukisan Mooi Indie dapat dikenali dari penampilan fisiknya. Bentuk atau subyek maternya adalah pemandangan alam yang dihiasi gunung, sawah, pohon penuh bunga, pantai atau telaga. Selain itu kecantikan dan eksotisme wanita-wanita pribumi, baik dalam pose keseharian, sebagai penari, atau pun dalam keadaan setengah busana. Laki-Iaki pribumi juga sering muncul sebagai obyek lukisan, biasanya sebagai orang desa, penari atau bangsawan yang direkam dalam setting suasana Hindia Belanda.
Menurut M. Agoes Burhan, wama yang dipakai untuk mengungkapkan obyek-obyek itu kebanyakan cerah dan mengejar cahaya yang menyala. Karakter garisnya lembut sebagaimana lukisan Du Chattel, sampai lincah dan spontan seperti Isaac Israel, tetapi tidak ada yang sampai liar
sebagaimana goresan orang-orang ekspresionis. Mereka menempatkan obyek-obyek dalam komposisi yang formal, seimbang, sehingga
pada struktur diagonal atau bloking objek-objek dari sudut kanvas untuk menimbulkan suasana tegang dan dramatis jarang dipakai. Ciri-ciri fisik yang demikian itu merupakan manifestasi dari ide pelukisnya yang ingin merealisasikan impian untuk melihat negeri Timur, yang bagi pelukis-pelukis Belanda merupakan dunia dongeng sejak masa kanak-kanak mereka. Terdapat empat kelompok pelukis dari aliran Indie Mooi ini yang mulai berkembang pada awal abad ke-20 ini, yaitu:
Orang asing yang datang dari luar negeri yang jatuh cinta pada
keindahan negeri ini dan menemukan obyekobyek yang cocok di tanah Hindia. Misalnya F.J. du Chattel, Manus Bauer, Nieuwkamp, Isaac Israel, PAJ Moojen, Carel Dake, Romualdo Locatelli (Itali), dll.
Orang-orang Belanda kelahiran Hindia Belanda, misalnya Henry van
Velthuijzen, Charles Sayers, Ernest Dezen~e, Leonard Eland, Jan Frank, dll
Orang pribumi yang berbakat melukis dan mendapat ketrampilan dari
dua kelompok di atas, misalnya Raden Saleh, Mas Pirngadi, Abdullah Surisubroto, Wakidi, Basuki Abdullah, Mas Soeryo Soebanto, Henk Ngantunk
Orang-orang Cina yang mulai muncul pada dasawarsa ketiga abad 20,
khususnya Lee Man Fong, Oei Tiang Oen dan Biau Tik Kwie. Pada umurnnya, dalam melakukan publikasi karya-karyanya mereka mengadakan pameran selama di Jakarta bertempat di Bataviasche Kuntkringgebouw, Theosofie Vereeniging, Kunstzaal Kolff & Co, Hotel Des Indes, dll.
Yang saya simpulkan ada 5 penggerak aliran lukis dimasa ini, yakni: A. A. J Payen (1792-1853), Raden Saleh (1807-1880), Abdullah Suryobroto (1878-1941), Wakidi (1888-1979), dan Mas Pirngadi (1875-1936)
1. 2. TOKOH PENTING MOOI INDIE
Antoine A.J PAYEN ialah penggerak utama atau penghubung antara koonial Belanda pada masa itu dengan Indonesia. Payen sebutannya ialah pribumi
yang dipercayai colonial Belanda saat itu untuk bekerja pada “Badan
Penyelidik Pengetahuan dan Kesenian” yang dikepalai oleh C.G.C.
Reinwardt. Saat itu payen bekerja bersama Bik bersaudara (Theodorus Bik dan Adrianus Bik) dengan tugas resmi melukis alam, kota, pemandangan,
tumbuh-tumbuhan dan fauna untuk kepentingan Natural Sciences
Commission pada badan yang dipimpin Reinwardt tersebut.
Pertemuan pertamanya dengan muridnya Raden Saleh di tempat tersebut mengembangkan minat gambar pribumi, secara khusus Raden Saleh. Bersama Bik bersaudara dia mengajari Raden Saleh menggambar.
Setelah Inggris “menyerahkan” kembali Indonesia kepada Belanda ditahun
1816, pemerintahan jajahan yang baru dari Nederland tidak saja membawa penguasa-penguasa kolonial, tetapi juga beberapa guru besar atau
professor yang diantaranya adalah Reinwardt yang dikuasakan untuk
melakukan penyelidikan-penyelidikan tentang “Pengetahuan dan Kesenian”, selain itu juga para pelukis yang diantaranya adalah Payen sendiri yang
menjadi pelukis pada “Badan Penyelidik Pengetahuan dan
Kesenian” tersebut. Para pelukis ini ditugaskan melukis alam dan pemandangan di Indonesia.
Payen memang tidak menonjol di kalangan ahli seni lukis di Belanda, namun
mantan mahaguru Akademi Senirupa di Doornik, Belanda, ini cukup
membantu Raden Saleh mendalami seni lukisBarat dan belajar teknik
pembuatannya, misalnya melukis dengan cat minyak. Payen juga mengajak
pemuda Saleh dalam perjalanan dinas keliling Jawa mencari model
pemandangan untuk lukisan. Ia pun menugaskan Raden Saleh menggambar
tipe-tipe orang Indonesia di daerah yang disinggahi.
estetika Indonesia (hindia-belanda pada masa itu) pada beberapa masa. Beberapa sumber mempercayai bahwa Payen ialah pengaruh besar pada perkembangan keseni rupaan Raden Saleh yang juga menurunkan paham mooi indie pada kapasitas yang tidak lama.
RADEN SALEH (Semarang 1807-1880)
Info yang saya dapatkan memang tidak merujuk bahwa Raden Saleh ialah seniman mooi indie secara utuh. Namun tak dapat dipungkiri Beliau adalah salah satu pengauh Mooi Indie/seni rupa modern Indonesia. Berawal dari ketertarikannya menggambar yang dibimbing oleh Payen membuat citra mooi indie harus dia terima walaupun studinya keluar negri mengubah penggayaan dan estetika-nya.
Raden Saleh Sjarif Boestaman (Semarang, 1807 – Buitenzorg (sekarang
Bogor), 23 April 1880) tercatat sebagai salah seorang pelukis paling
terkenal dari Indonesia. Kiprahnya di dunia Seni Rupa berawal Sejak usia
10 tahun, ia diserahkan pamannya, Bupati Semarang, kepada
orang-orangBelanda atasannya di Batavia. Kegemaran menggambar mulai
menonjol sewaktu bersekolah disekolah rakyat (Volks-School).
Keramahannya bergaul memudahkannya masuk ke lingkungan
orang Belanda dan lembaga-lembaga elite Hindia-Belanda. Seorang
kenalannya, Prof. Caspar Reinwardt, pendiri Kebun Raya Bogor sekaligus
Direktur Pertanian, Kesenian, dan Ilmu Pengetahuan untuk Jawa dan pulau
sekitarnya, menilainya pantas mendapat ikatan dinas di departemennya.
Kebetulan di instansi itu ada pelukis keturunan Belgia, A.A.J. Payen yang
didatangkan dari Belanda untuk membuat lukisan pemandangan di Pulau
Jawa untuk hiasan kantor Departemen van Kolonieen di Belanda. Payen
tertarik pada bakat Raden Saleh dan berinisiatif memberikan bimbingan.
Payen memang tidak menonjol di kalangan ahli seni lukis di Belanda, namun
mantan mahaguru Akademi Senirupa di Doornik, Belanda, ini cukup
pembuatannya, misalnya melukis dengan cat minyak. Payen juga mengajak
pemuda Saleh dalam perjalanan dinas keliling Jawa mencari model
pemandangan untuk lukisan. Ia pun menugaskan Raden Saleh menggambar
tipe-tipe orang Indonesia di daerah yang disinggahi.
Terkesan dengan bakat luar biasa anak didiknya, Payen mengusulkan agar
Raden Saleh bisa belajar ke Belanda. Usul ini didukung oleh Gubernur
Jenderal G.A.G.Ph. van der Capellen yang memerintah waktu itu (1819–
1826), setelah ia melihat karya Raden Saleh.
Tahun 1829, nyaris bersamaan dengan patahnya perlawanan Pangeran
Diponegoro oleh Jenderal Hendrik Merkus de Kock, Capellen membiayai
Saleh belajar ke Belanda. Namun, keberangkatannya itu menyandang misi
lain. Dalam surat seorang pejabat tinggi Belanda untuk Departemen van
Kolonieen tertulis, selama perjalanan ke Belanda Raden Saleh bertugas mengajari Inspektur Keuangan Belanda de Linge tentang adat-istiadat dan
kebiasaan orang Jawa, Bahasa Jawa, danBahasa Melayu. Ini menunjukkan
kecakapan lain Raden Saleh.
Seperti yang dibahas sebelumnya payen diberi kesempatan untuk bersekolah diluar negri dan oleh karena itu seleah berpulangnya dari
studinya tersebut Raden Saleh membawa paham-paham estetika barat yang berkembang pada masa itu. Yakni Romantisme
Sepulangnya dari studi panjangnya Tak banyak catatan seni yang dia gores. Ia dipercaya menjadi konservator pada “Lembaga Kumpulan Koleksi
Benda-benda Seni”. Beberapa lukisan potret keluarga keraton dan pemandangan
menunjukkan ia tetap berkarya.
Karya yang paling menunjukan “kemolekannya” salah satunya ialah “Javanese Landscape, with Tigers Listening to the Sound of a Traveling Group”
Tidak terlalu banyak info yang menerangjan Abdullah Suryobroto selain beliau ialah ayah kandung dari seniman flamboyant Raden Basoeki
Abdullah, bersama rekannya wakidi dan pringadie beliau mencetus mooi indie secara utuh.
Pelukis R Abdullah Suriosubroto adalah putera Dr Wahidin Sudirohusodo, perintis pergerakan nasional ”Budi Utomo”. Tetapi berlainan dengan
ayahnya, Abdullah sama sekali tidak tertarik dengan dunia pergerakan, dia mengambil jalan hidup berbeda. Dia berkesempatan belajar di negeri
Belanda mengikuti tujuan ayahnya supaya Abdullah menempuh studi
kedokteran, tetapi sesuai kenyataannya Abdullah malah belajar seni lukis di Den Haag.
Sebenarnya yang saya tangkap dari penggayaan luis Abdullah hamper sama dengan ajaran payen kepada Raden Saleh. Yakni menggambarkan nuansa romantisme gaya Eropa yang dituangkan versi keindahan Indonesia, dimana alam mendominasi. Berbeda kembangannya dengan putranya Basuki
Abdullah yang mengembangkan mooi indie lebih ditekankan kepada keindahan wanita.
Wakidi (Palembang, 1889/1890–1979)
Wakidi (1889-1979) adalah pelukis berusia panjang. Wakidi yang orang tuanya asal Semarang, namun dia sendiri lahir di Plaju, Sumatera Selatan ini memilih untuk menetap di Sumatera Barat. Dia memperoleh pendidikan di Kweekschool (Sekolah Pendidikan Guru) yang berdiri sejak 1837 di
Bukittinggi. Di sekolah inilah Wakidi mendalami pelajaran menggambar dan melukis (1903).
Mengingat kemampuan luar biasa yang dimiliki Wakidi di usia mudanya, setamat disana, dia memperoleh tawaran menjadi guru lukis dan
menempuh pendidikan di Kweekschool. Diantara murid Wakidi tercatat tokoh proklamator Bung Hatta dan mantan Ketua MPRS Jenderal Besar Abdul Haris Nasution.
Tidak hanya di Kweekschool, beberapa tahun kemudian Wakidi ditawari menjadi guru di INS Kayutanam, yang didirikan M. Syafei pada tahun 1926. Di INS Wakidi ternyata juga disukai dan disenangi puluhan bahkan ratusan murid dan pengikut-pengikutnya.
Diantara murid-muridnya terdapat tokoh berkesinambungan yang berkiprah
dalam peta seni lukis nasional seperti Baharuddin MS, Syamsul Bahar, Mara
Karma, Hasan Basri DT. Tumbijo, Nasjah Jamin, Montingo Busye, Zaini, Nashar, Ipe Makruf, Alimin Tamin, Nuzurlis Koto, Arby Samah, Muslim Saleh, Mukhtar Apin, AA Navis, Mukhtar Jaos, Osmania dan banyak lagi hingga ke tokoh-tokoh muda saat ini.
MAS PRINGADI (1875-1936)
Mas Pirngadi lahir dalam keluarga ningrat pada tahun 1875. Beliau merupakan salah seorang pelukis aliran naturalis Indonesia paling berbakat. Awalnya, beliau belajar melukis dengan bahan caat air dari seorang pelukis Belanda, Du Chattel. Kemudian, beliau mengajar pelukis-pelukis terkenal seperti Sudjono dan Suromo. Tokoh lain yang dianggap sbagai pelukis terkenal Indonesia adalah Wahidi dan Abdullah
Dalam melukis pemandangan alam, Abdullah dan Wakidi nampak lebih produktif maupun berkemampuan dibanding dengan Pirngadi yang tersita oleh pekerjaan rutinnya sebagai ilustrator museum antropologi di Jakarta.
1. 3. ERA PERSAGI, RUNTUHNYA MOOI INDIE
Zaman pergerakan yang ditandai dengan terselenggaranya Sumpah Pemuda 1928, dan pecahnya Perang Asia Timur dengan Jepang sebagai pemenangnya mempengaruhi geliat seni lukis di tanah air. Mazhab Mooi Indie lantas dikecam dan dikritik habis, dianggap hanya mengabadikan keindahan alam Indonesia saja dan kurang tanggap terhadap kenyataan di sekitarnya yang tidak semuanya indah, serba enak, tenang dan damai.
Di sisi lain, pengembangan pada teknik melukis sangat diperhatikan pada masa itu, sehingga seni lukis realisme Indonesia makin memiliki identitas pribadi. Paska Sumpah Pemuda, terjadilah polemik kebudayaan yang riuh rendah dalam media massa. Terutama pada kurun waktu 1935-1939. Para pelukis tidak mau ketinggalan dan ikut ambil bagian. Tokoh-tokoh semacam Lee Man Fong, Ui Tiang Un, Henk Ngantung, Siauw Tik Kwie, Pirngadi, Subanto, Imandt, Jan Frank, Rudolf Bonnet ikut pula berdebat.
Sindudarsono Sudjojono (1913-1986) dan Affandi Koesoema (1907-1990) adalah dua tokoh yang paling menonjol pada masa itu. Berbeda dengan Affandi yang pendiam, Sudjojono adalah tokoh yang keras dan pemberang. Selain sebagai pelukis, dia juga kritikus seni lukis berlidah tajam. Pak Djon – begitu panggilan akrabnya – kerap mengecam Basoeki Abdullah yang dianggap bibit penerus mooi indie sebagai tidak nasionalistis, karena hanya melukis perempuan cantik dan pemandangan alam. Kritik Pak Djon itu tentu saja membuat berang Basoeki.
karirnya sebagai seorang guru sekolah menengah dianggap pionir yang mengembangkan seni lukis modern khas Indonesia. Pengikut dan muridnya banyak, sehingga komunitas seniman, menjulukinya sebagai Bapak Seni Lukis Indonesia Baru.
Sebenarnya alasan Pak Djon mengancam geliat Basuki Abdullah tidak tanpa dasar, alasannya untuk mengakhiri masa mooi indie yang hanya menangkap keindahan negaranya tanpa menangkap kegelisahan dan rasa keprihatinan yang juga bagian dari keindahan bangsa kita sendiri. Juga kuatnya
pengaruh “barat” dalam penggayaan lukisan mooi indie manjadikan semakin kuatnya panggilan nasionalis Pak Djon.
Sudjojono memang tidak sendiri, bersama PERSAGI Pak Djon mulai mengaktifkan seni sebagai orasi, dan beberapa kekuatan propaganda lainnya. Berbeda hal dengan basuki Abdullah yang hingga kematiannya mempertahankan kepercayaan yang dianut sesepuhnya.
Namun beberapa sumber dan informasi yang saya dapat, Basuki Abdullah akhirnya menyadari bahwa seni modern adalah seni yang menutarakan kegelisahan dibandingkan hanya keindahannya saja. Beberapa karya Basuki Abdullah mulai melenceng.
PERSAGI pimpinan sudjojono adalah babakan baru dalam kasanah seni rupa Indonesia, tapi PERSAGI pun tak bisa mengelak keberadaannya pasti secaa tidak langsung dipengaruhi oleh gerakan MOOI INDIE . karena dari adanya ketertekanan munculah suatu kesadaran dan paham baru yang mempelopori perkembangan suatu zaman.
1. 4. KESIMPULAN (SUBJEKTIFITAS PRIBADI)
kolonial Belanda menyuruh Raden Saleh dan Payen untuk mendatakan karakter daerah dengan cara dilukis, dari segi lokasi, karakter wajahnya hingga bagian-bagian detail lokasinya.
Dari tugas tersebut yang juga dipengaruhi oleh Penggayaan lukis Belanda membuat peregerakan paham naturalis pelukis pribumi berasimilasi dengan penggayaan romantisme yang dibawa colonial Belanda.
Saya sendiri berpendapat bahwa pada perkembangannya, paham Mooi indie ini membuat fondasi dasar kemunculan seni rupa di Indonesia. Berawal dari payen, kemudian Raden Saleh dan hingga mas pringadi menjadi saksi atas perjuangan Indonesia menemukan jati dirinya.
Adapun bantahan sudjojono (pak djon) akan ketidak sesuaian mooi indie sebagai identitas seni rupa Indonesia beralasan namun tidak benar seratus persen, menurut saya pribadi alasan kuat kenapa ada sebuah pergerakan modern karena adanya suatu paham yang mendasar terlebih dahulu akan suatu objek yang baku(tidak banyak dirubah) seperti pelukisan bergaya mooi indie sendiri yang menangkap kesan dan pesan yang nyata, indah itu alam, karena alam itu indah. Benar adanya dan kalaupun pengaruh besar Belanda sebagai pihak “barat” mendifusikan paham ke bangsa kita sebagai paham “timur” ialah proses pendewasaan dan kita memang berhak untuk mengetahui dan kemudian menyeleksi mana yang harus kita buang dan mana yang harus kita asimilasikan.
Sekali lagi saya amat sangat menghargai seniman-seniman besar yang juga memondasi sejarah seni rupa Indonesia, bagaikan karya mereka dalam lukisan-lukisan moleknya. Mungkin lebih dalam lagi dari molek itu sendiri ada harapan dan pesan yang ingin dibicarakan para perupa besar tersebut tentang kekayaan Indonesia yang paling molek dengan alam yang menarik para perupa barat untuk singgah dibansa hindia-belanda ini. Karena seni bukan hanya estetika atau pakem-pakem lainnya, lebih dari itu, seni dengan apapun ekspresinya atau penggayaannya adalah “diri kita’ sendiri yang ingin bercerita pada dunia.
Perkembangan seni rupa murni mancanegara di luar Asia berawal dari seni rupa Timur purba hingga sejarah seni rupa Eropa modern. Seni rupa Timur purba dapat dilihat melalui perkembangan seni rupa di Mesir. Kurun waktu perkembangannya dapat diuraikan secara kronologis,
yaitu dimulai dari sejarah seni rupa Mesir, seni rupa Eropa Klasik, seni rupa Renaissance, seni rupa Barok dan Rokoko, hingga seni rupa zaman modern.
1. Seni rupa Mesir
Mesir merupakan bangsa yang mempunyai peninggalan kebudayaan tertua di dunia (sejak 3400 SM). Bentuk karya-karya seni rupa bangsa Mesir berupa seni bangunan, seni patung, relief, seni lukis, dan seni kriya. Seni bangunan Mesir terdiri atas bangunan piramida, mastaba, dan candi. Piramida dan mastaba merupakan bangunan yang berfungsi untuk menyimpan mumi, sedangkan candi berfungsi sebagai tempat pemujaan. Seni patung
Mesir terbuat dari batu granit yang merupakan penggambaran dari Ramses, Chefren, Achnaton, Amenhotep, dan Spinx. Relief dan seni lukis Mesir banyak ditemukan pada dindingdinding
kuburan dan peti mati. Peninggalan lainnya berupa benda-benda kriya, seperti tembikar, perhiasan, dan mahkota.
2. Seni rupa Eropa Klasik
Perkembangan seni rupa di Eropa diawali dari seni rupa Yunani, Romawi, Helenis, hingga abad
pertengahan (Nasrani). Peninggalan-peninggalannya berupa seni bangunan, patung, relief, seni lukis, dan seni kriya. (senirupa Tri Edi Margono)
a. Seni rupa Yunani
Karya seni rupa yang berkembang di Yunani, antara lain seni bangunan dan seni kriya. Seni bangunan Yunani kebanyakan berbentuk istana serta bangunan megah lainnya. Seni lukis Yunani bercorak dekoratif dengan objek alam. Seni patungnya terbuat dari batu pualam dan kayu.
Karya seni rupa yang dihasilkan di Romawi, antara lain seni bangunan, seni relief, seni lukis, dan seni kriya. Seni bangunan Romawi, di antaranya berupa tempat pertunjukan dan tugu. Peninggalan seni kriyanya berupa bejana, vas bunga, dan kerajinan logam. Seni lukis Romawi adalah hasil gabungan seni lukis Mesir dan Yunani yang dibuat dengan teknik mozaik. Seni patungnya merupakan peniruan gaya Yunani dan seni
reliefnya kebanyakan bertema sejarah.
c. Seni rupa Hellenis
Pada zaman Hellenisme (336-323 SM) terjadilah akulturasi kebudayaan antara Yunani, Mesir, dan Persia. Perpaduan kebudayaan ini melahirkan kebudayaan Hellenis yang berpusat di
Kota Pergamon dan Rhodos. Corak patung potret gaya Hellenis pada dasarnya bersifat realis.
d. Seni rupa abad pertengahan (Nasrani)
3. Seni rupa zaman Renaissance
Zaman Renaissance merupakan peralihan antara abad partengahan ke abad modern, yang berlangsung pada akhir abad ke-15 hingga ke-16. Pada zaman ini, seni rupa, sastra, dan musik berkembang pesat. Ilmu pengetahuan dan seni pada saat itu mulai dikembangkan oleh tokohtokoh besar, di antaranya Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, dan Galileo Galilei.
4. Seni rupa Barok dan Rokoko
Setelah zaman Renaissance, muncullah gaya seni rupa Barok pada abad ke-16 dan Rokoko pada abad ke-17. Ciri-ciri seni rupa zaman Barok, antara lain bersifat dimanis, heroik, serta kaya cahaya dan warna. Gaya seni rupa Rokoko menghasilkan seni lukis, seni hias, dan seni pahat.
Rokoko (juga ditulis dalam bahasa-bahasa Eropa rococo atau roccoco; diucapkan [r ko ko ]əˈ ʊ ʊ, [ro k ko ]ʊ əˈ ʊ) juga berarti "Barok Akhir" ("Late Baroque") adalah gaya abad 18 yang berkembang ketika
seniman Barok meninggalkan gaya simetris dan mulai menambahkan bunga, tanaman dan permainan lainnya. Ruang-ruang rokoko dirancang sebagai karya seni total dengan perabotan elegan bermotif bunga dan
tanaman, patung-patung kecil, cermin penuh ornamen, dan permadanimelengkapi arsitektur, relief, dan cat dinding penuh warna. Gaya ini banyak digantikan oleh gaya Neoklasik. Tahun 1835 pada Dictionary of the French Academy menuliskan kata Rococo "biasanya meliputi jenis ornamen, gaya dan desain yang
berhubungan dengan pemerintahan Louis XV dan awal dari Louis XVI". Termasuk di dalamnya, segala jenis karya seni yang dibuat pada pertengahan abad 18 di Perancis.
Kata Rokoko berasal dari kombinasai kata Perancis rocaille, yang artinya batu, dan coquilles, yang artinya kerang, karena keterikatan dengan benda-benda asal motif dekorasinya.[1] Istilah Rokoko juga bisa diartikan
sebagai kombinasi kata "barocco" (bentuk teratur dari mutiara, kemungkinan berasal dari kata "baroque") dan kata Perancis "rocaille" (bentuk populer dari ornamen taman dan interior menggunakan kerang dan kerikil hias), dan juga bisa dipakai untuk menjelaskan gaya yang halus dan indah yang menjadi mode di Eropa selama abad ke-18.[2] Karena gaya Rokoko suka dan fokus pada seni dekoratif, beberapa kritikus
ahli sejarah seni. Meskipun demikian masih ada debat masalah pengaruh sejarah dari seni ini secara umum, Rokoko kini dikenal luas sebagai periode besar dalam perkembangan seni Eropa.
Perkembangan sejarah
Rokoko berkembang awal dari seni dekoratif rancangan interior. Suksesi Louis XIV membawa perubahan pada lingkungan seniman dan gaya umum kesenian. Pada akhir masa pemerintahan panjang raja, rancangan bernuansa Barok memberikan elemen-elemen yang lebih ringan degan banyak lengkung dan pola-pola alami. Elemen-elemen ini terlihat jelas pada rancangan arsitektural Nicolas Pineau. Selama masa Régence, gaya kehidupan istana berpindah dari Istana Versailles dan perubahan artistik ini menjadi mapan, pertama di lingkungan istana dan kemudian ke seluruh kehidupan tingkat tinggi Perancis. Kenikmatan dan suasana menyenangkan rancangan Rokoko seiring dengan ekses pemerintahan Louis XV.[5]
Tahun 1730-an menampilkan perkembangan puncak dari Rokoko di Perancis. Gaya ini menyebar di antara rancangan arsitektur dan perabotan sampai ke lukisan dan patung, diperlihatkan pada karya-karya Antoine
Watteau dan François Boucher. Rokoko masih memelihara citarasa Barok untuk bentuk-bentuk yang kompleks
dan motif yang rumit, namun dari titi ini, mulai menggabungkan variasi karakteristik, termasuk gaya rancagan Oriental dan komposisi asimetris.
François Boucher, Le Déjeuner,(1739, Louvre), menunjukkan interior rocaille dari keluarga borjuis Perancis pada abad 18.
Patung-patung porselen dan vas memberi sentuhan tambahanchinoiserie.
Di Britania Raya, Rokoko selalu dianggap sebagai "citarasa Perancis" dan tidak pernah diadopsi sebagai gaya arsitektural, meskipun pengaruhnya sangat kuat terasa pada produksi perak, porselen, dan sutra, dan Thomas
Chippendale mengubah rancangan perabotan Inggris melalui adaptasi dan penghalusan gaya Rokoko. William
Hogarth juga membantu mengembangkan dasar teoritis keindahan Rokoko. Meski tidak secara khusus
memberi penekanan pada perubahan gaya itu, ia berpendapat pada Analysis of Beauty (Analisis Keindahan) (1753) bahwa garis-garis bergelombang dan lengkungan S yang terkandung di gaya Rokoko adalah dasar dari rahmat dan keindahan alam (tidak seperti garis lurus atau lingkaran pada Klasisisme). Perkembangan Rokoko di Britania Raya dianggap terkait dengan Kebangkitan Gotik dengan keterkaitan pada arsitektur Gotik di awal abad ke-18.
Dimulainya masa akhir Rokoko datang pada awal tahun 1760-an ketika tokoh seperti Voltaire dan
Jacques-François Blondel mulai menyuarakan kritik terhadap pendangkalan dan degenerasi seni. Blondel mencela
dengan menyebut "kekonyolan dalam campur aduk antara kerang-kerangan, naga-naga, buluh-buluh, pohon-pohon kelapa dan tanaman-tanaman" di interior kontemporer.[6]
Sejak 1785, Rokoko telah habis masanya di Perancis, digantikan oleh tatanan dan keseriusan seniman-seniman Neoklasik sepertiJacques Louis David. Di Jerman, akhir abad ke-18 Rokoko ditertawakan
sebagai Zopf und Perücke ("rambut kepang dan rambut palsu"), dan fase ini kadang disebut sebagai Zopfstil. Rokoko tetap populer di beberapa provinsi dan di Italia, sampai fase kedua neoklasisisme, "Gaya kekaisaran", tiba dengan pemerintahan Napoleon dan Rokoko tersingkirkan.
Rokoko pada gaya artistik berbeda
Obyek perabotan dan dekorasi
Cermin Rokoko dan pekerjaan plesteran di Schloss Ludwigsburgmenampilkan karakter serta cara penggabungan material
dan bentuk yang anti-arsitektural
Tema-tema rancangan ringan dan rumit dari Rokoko muncul sangat baik dan dalam skala yang lebih intim dibanding arsitektur Barok dan patung-patungnya yang terkesan memaksa. Tidak mengherankan jika karya seni Rokoko Perancis kemudian mengisi rumah-rumah. Produk logam, patung-patung porselen dan khususnya perabotan berkembang dan diminati dalam golongan orang kaya Perancis untuk menghiasi rumah-rumah mereka dalam gaya yang baru.
Gaya Rokoko menyenangkan karena asimetris, sebuah citarasa baru untuk gaya Eropa. Praktek ini menjadikan elemen-elemen dibuat tak seimbang untuk memberi efek yang disebut contraste.
Selama periode Rokoko, perabotan menjadi ringan baik secara fisik maupun visual. Ide mengenai perabotan berubah menjadi simbol status dan mengambil peran kenyamanan dan fleksibilitas. Perabotan menjadi mudah dipindahkan untuk pertemuan misalnya, dan bentuk-bentuk khusus bermunculan seperti kursi sofa (fauteuil), kursi berbantal (voyeuse chair), dan kursi jenis bergère. Perubahan rancangan kursi-kursi ini bervariasi dari model bantalan lengan terpisah, perpanjangan bantalan belakang (dikenal juga dengan istilahhammerhead) dan model bantal lepasan. Perabotan juga berdiri sendiri, dimana sebelumnya menyatu ke dinding, untuk mengesankan atmosfer ringan dan fleksibilitas dari tiap jenis perabot. Kayu mahogani banyak digunakan untuk membuat konstruksi perabotan karena kekuatannya, mengakibatkan hilangnya bagian penguat seperti yang terlihat pada banyak jenis kursi pada masa itu. Juga penggunaan cermin yang digantung di atas perabotan dinding menjadi makin populer seiring dengan perkembangan kaca berlapis untuk cermin.
Pada rancangan penuh Rokoko, seperti Table d'appartement (sekitar 1730) oleh perancang Jerman J. A. Meissonnier (lihat gambar), yang bekerja di Paris, segala pengaruh bentuk masif hilang: bahkan permukaan marmer pun dibentuk. Celemek, kaki-kaki, penopang semuanya dirancang menyatu kedalam bentukan lengkung-c dan "rocaille" (bentuk susunan bebatuan). Simpul (noeud) penopang diperlihatkan asimetris secara menyolok ("contraste") dan itulah inovasi Rokoko.
Umumnya gaya ini dikagumi dan ditampilkan dalam skala "minor" dan sebagai seni dekoratif saja, para pengkritik menyatakan bahwa kecenderungan dimulai dari menyamarkan bentuk tradisional yang diakui. Struktur yang dihiasi gaya ini tidak sesuai untuk proyek skala besar dan dikeluarkan dari gaya arsitektural sepenuhnya.
Gaya Rokoko pada kayu lapis dirancang oleh Joseph Anton Feuchtmayer 1750. Sekarang di gereja paroki St Martin,
Seefeld (kota Uhldingen-Mühlhofen)
Dinasti orang-orang Paris ébénistes, beberapa di antaranya kelahiran Jerman, mengembangkan gaya permukaan lengkung dalam tiga dimensi (bombé), yang sesuai dengan penggunaan di kayu lapis bervernis (veneer atau marqueterie) atau disebut juga vernis martin suatu pemberian vernis hitam (japanning) yang sesuai jika ditambahi warna emas-perunggu ("ormolu"). Di antaraseniman ini yang terkemuka adalah: Antoine
Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Jean-François Oeben, Bernard II van Risamburgh.
